Eccoci qua, de nouveau sur scène, pour vous raconter notre voyage en République Tchèque et le quilt qu'on a vu là.
En lisant le titre vous avez peut-être remarqué que le sigle de l'exposition tchèque est désormais BPM, Réunion Patchwork d'ovvero Brno, et plus de PPM. Disons que Prague me manque un peu, et pas seulement parce que je trouve ça passionnant et compliqué, mais aussi parce que j'y ai découvert il y a de nombreuses années des artistes qui cherchaient leur propre voie d'expression pour rompre avec les écoles anglo-saxonne et française.. Aujourd'hui, je peux dire que j'ai vu une vision à long terme, et j'admire avec satisfaction les œuvres qui quilter Les Tchèques peuvent se vanter d'exposer leurs œuvres dans le monde entier.
Comme toujours, le voyage vers Brno a été lent et compliqué., et donc agréable. Partir avec le soleil, et déjà à Celje le bus avançait parmi les flocons de neige qui tombaient abondamment, mais heureusement l'expérience nous avait préparé à tout. La première étape comprenait une escale d'une journée à Vienne achats. Badate bene, je ne parle pas de vêtements, chaussures et accessoires, mais de matériaux et d'équipements pour l'impression et la peinture sur cuivre. Mission accomplie. j'ai tout trouvé, e anche di più, et maintenant je sais où aller quand j'ai besoin de quelque chose dont ils ne savent même pas qu'il existe ici. Pendant notre séjour, nous avons visité le musée de Vienne sur la Karlsplatz., vient de rouvrir il y a quelques mois, où, au dernier étage, les murs étaient recouverts d'admirables gravures de Vienne du XVIIe siècle et au-delà.
Après avoir dit au revoir à Vienne, nous avons pris un bus en direction de la Moravie., et nous avons retrouvé le même Brno que l'année dernière, avec ses forces et ses faiblesses. Mais cette fois, nos devoirs de reporting sont terminés, nous avons décidé de louer une voiture pour faire quelques déplacements hors de la ville. Vous pouvez retrouver quelques images de ce petit voyage en Moravie dans post “Pas seulement Brno”, dal blog ultimalune.it à moi webmaster / photographe / agence de tourisme / sherpa / ecc.
Mais je suppose que tu es là pour le patchwork, et que tout ce drame de voyage te laisse assez indifférent, alors me voilà prêt à satisfaire votre curiosité.
Tout d’abord, le titre « BPM 2024 - Un pas derrière”.
Dit tout, il dit que nous sommes à Brno, et dit que l'édition de 2024 c'était une avancée appréciable, un pas derrière standard que nous connaissions déjà, en quantité et surtout en qualité, et cela grâce à la ténacité et au professionnalisme de Jana Štěrbová, toujours deus ex machina de l'événement tchèque, et au dévouement de toutes les personnes impliquées dans la mise en valeur d'une exposition qui se compare à d'autres qui bénéficient de supports médiatiques très différents.
Permettez-moi une pincée de vanité si je vous dis qu'à Brno j'ai rencontré un grand groupe de quilter de Bassano del Grappa, j'y suis arrivé aussi grâce à la curiosité suscitée par mes parents rapport des expositions à Prague et Brno.

Je commencerais par un double hommage, un en Moravie qui accueille l'exposition, et un autre à l'artiste morave qui donne une merveilleuse représentation de son pays.
Je parle de Jaroslava Grycová, qui avec la technique "confetti" il crée des tableaux dignes d'une galerie d'art. Cette année, vous nous avez apporté des images évocatrices des bois trouvés dans les montagnes Jeseníky, la plus grande chaîne de montagnes de Moravie-Silésie. C'est une zone paysagère protégée (dal 1969), où règne l'épicéa, le hêtre, l'érable, le bouleau et le sorbier.
On dit que dans les montagnes Jeseníky, vous pouvez respirer l'air le plus pur de toute l'Europe centrale., et si l'air ne suffit pas, il y a aussi de l'eau, tous les termes Priessnitz di Gräfenberg, le centre où un simple agriculteur, Vincent Preissnitz en effet, autour de la 1820 posé les bases du thermalisme, celui-là même dont s'inspirera le plus célèbre Sebastian Kneipp trente ans plus tard (sì, c'est celui du malt Kneipp). En quelques années, une station thermale fut construite à Gräfenberg où même des personnalités célèbres venaient se faire soigner., comme l'écrivain Nikolai Gogol, l'archiduc d'Autriche Anton Victor et le régent de l'empire autrichien Franz Karl, tanto per fare dei nomi.
Voici donc Jaroslava Grycová, en plus de nous ravir avec ses belles œuvres, nous offre une bonne excuse pour faire un voyage dans sa Moravie. Que pourriez-vous demander de plus?

Vous connaîtrez certainement des marques connues comme Pfaff, Frère, La Bernine, Janomé, Juki, car ce sont eux qui reviennent toujours en association avec les noms de quilter le plus réussi, et qui plus est, on assiste aujourd'hui à l'arrivée de machines à coudre de plus en plus technologiques, électronique, informatisé, la science-fiction, quand Jaroslava parvient à créer ses peintures textiles avec une simple pédale Lada, et cela confirme un ancien dicton en usage dans ma région: “non csur le penel, soramanigo raconte”.

 

E ora, avec la cohérence qui me distingue toujours, d'un style agréable et proche du luminisme pictural on passe à un abstractionnisme plus complexe, lo stile che cerca di dare forma visuale ad aspetti non immediatamente percepibili, comme les émotions.
Karen Rips ha inteso rappresentare una aspetto della vita della donna ancora troppe volte sottovalutato, ovvero la depressione perinatale.

Come in ogni opera astratta, l’artista suggerisce e chi osserva interpreta. Qui viene mirabilmente rappresentato il senso di solitudine che attanaglia la donna prima e dopo il parto, e le infinite preoccupazioni, la catena di problemi fisici, sociali, affettivi, tutti aspetti connessi che generano quel velo nero tra lei e il mondo esterno, quest’ultimo abbastanza freddo come il colore blu acciaio che ha scelto, un mondo che della sua sofferenza psichica afferra ben poco, solamente quella punta dell’iceberg.
Quest’opera fa parte del progetto “Minimalisme” che troverete descritto in seguito.

 

Già nel 2022 riimasi colpita dal patchwork di un artista tedesco a me ignoto. Si trattava di “Between the Worlds” di Jochen Hüttermann. Confesso che fui attratta dalla forza espressiva dell’opera, s’imponeva alla vista, ma sul momento rinunciai a cercare cosa si celasse dietro (o dentro) quei due centri gravitazionali (due Soli?) che sembravano voler distruggere fa figura centrale.
Oggi, scavando più a fondo e vedendo un’altra sua opera, penso di aver intuito quali sono le spinte emozionali che inducono l’artista a rappresentazioni per certi versi drammatiche.

Depuis des décennies, Jochen Hüttermann s'intéresse à l'ergothérapie, et je suppose qu'il a inévitablement développé une certaine empathie, ou du moins une sensibilité envers ceux qui avaient besoin de son soutien.
Regardez le travail ci-dessus, c'est une représentation symbolique du monde avec lequel il a partagé des dialogues, problèmes, espère, arguments, déceptions, passions et réussites. Regarde ces visages, ils sont tous devant, comme ceux des gens qui se tournent vers lui, ce sont les fenêtres d'un bâtiment social qui encadre et sépare, fenêtres fermées, Ouvre les fenêtres, finestre vuote, finestre sbarrate da un’inferriata.
E poi il titolo, un capolavoro: “Inside-Outlook-Perspective”, prospettiva di una previsione, una mentalità, una visione (outlook) interna, in un mondo piatto che offre ben poche prospettive.
Se potessi associare un pezzo musicale a quest’opera sceglierei senz’altro “I Talk to the Wind” dei King Crimson.

 

Magari a prima vista potrebbe sfuggirvi un dettaglio di quest’opera, e allora eccomi qui a farvelo notare.
“Vor einem großen Walde wohnte ein armer Holzhacker mit seiner Frau und seinen zwei Kindern; das Bübchen hieß Hänsel und Gretel…”
Si tratta delle prime righe di una fiaba molto popolare scritta dai fratelli Grimm: “Hänsel e Gretel”.

Devo dire che finora conoscevo solamente i lavori che Gabi Fisher aveva realizzato con il gruppo SnipSISter, assieme a Gonhild Murmann e Eva Wöhrl, ed erano centrati sulla figura femminile, perciò questo richiamo alle sue fantasie d’infanzia mi ha sorpreso, tout comme j'ai été agréablement surpris par son choix de superposer le texte du conte de fées au quilt essentiellement, ma non sperate che io vi riveli come c’è riuscita
Quest’opera fa parte di un suo progetto teso a dare forma tessile alle fiabe che ancora le sono care, principalmente quelle dei fratelli Grimm, rappresentate con un una rilettura più adatta ai tempi e all’età.
Il quilt sottostante al testo raffigura una foresta, per un certo verso aperta e amena all’imbocco, che però si fa più fitta e minacciosa quando ci si inoltra al suo interno. Si tratta della foresta dove Hänsel und Gretel vengono abbandonati dal padre e dalla matrigna, parce qu'ils sont incapables de les nourrir à cause de la période de famine, tout en sachant que ce faisant, ils les exposeront à des dangers mortels.
Pour Gabi, ce choix ressemble trop à celui imposé à ceux qui acceptent d'envoyer leurs enfants dans ce qu'on appelle “Première mondiale” parce que la famine et le désespoir règnent dans leur pays, et ce voyage n'est pas moins semé de dangers mortels que la forêt du conte de fées, y compris le mirage d'une vie plus facile et pleine de tout, tout comme la maison de la sorcière, allettante nell’aspetto ma illusoria nel messaggio e crudele nella sostanza.

 

Un concetto simile viene espresso da Angela Minaudo, con la sua opera che è stata premiata al Carrefour Européen du Patchwork.
Troppe volte capita di passare oltre, di girarsi dall’altra parte, di far finta di non vedere, persino di provare fastidio, quando qualcosa o qualcuno ci ricorda che in fondo godiamo di alcuni privilegi, meritati o meno.
Pur nella sua relativa opulenza, la società divide le persone in due categorie, ossia gli “intégré”, qui exploitent à des degrés divers les avantages qui leur sont offerts (même si ce sont des gens perpétuellement insatisfaits), et moi “désintégré”, ceux qui, comme le dit le préfixe “dis”, ils ne s'intègrent pas parce qu'ils ne trouvent pas de place acceptable (par nature, Malheureusement, en raison de l'insuffisance). Finalement ces derniers deviennent également invisibles, car ils ne sont pas seulement gardés en marge, mais pour assurer notre paix sociale et psychologique ils sont socialement détruits, effectivement désintégré. Doivent “disparaître”.

Se Angela ha trovato l’ispirazione per quest’opera che in quello che purtroppo capita di scorgere tutti i giorni, la chiave sta all’interno della canzone “Gli invisibili” di Ermal Meta, nelle seguenti parole del testo “Siamo gli ultimi, ci vedi sullo sfondo, siamo gli invisibili che salveranno il mondo“.

 

Già che siamo di strada, mi va di proporvi un’altra opera presentata in Val d’Argent. Si tratta della riproduzione con la stoffa di un’opera di Yulia Brodskaya.

Di Isabel Muñoz ricordo ancora bene quel fantastico volto di Bruja Piruja quasi totalmente in bianco e nero che presentò nel 2022, e qui dimostra (ma non ce n’era bisogno) che se la cava benissimo anche col colore.
Lei dichiara di aver scelto di riprodurre quell’opera perché era rimasta affascinata dallo sguardo profondo e sicuro di quella donna. lo sguardo fiero di chi conosce il valore del suo passato e lo affida alle generazioni che verranno.
Permettetemi due parole su Yulia Brodskaya, un’artista nativa di Mosca ma residente da anni nel Regno Unito. Lei ha trovato con successo nuove forme espressive per il quilling, raggiungendo vette artistiche degne di un museo d’arte moderna. Se vi interessa vedere di cosa è capace, questo è il sito toile di Yulia Brodskaya.

Curiosa, questo è l’aggettivo che mi va di utilizzare per un’opera che è bi/tridimensionale. Bidimensionale perchè in buona sostanza tutti gli elementi lo sono, e tridimensionale perché il loro assemblaggio li stacca dal piano per offrire un nuovo modo di vedere il patchwork.

Si tratta di una realizzazione dell’associazione 20 Perspectives Group Work, che unisce le abilità di venti quilter che sono riuscite ad abbattere le distanze geografiche e stilistiche. Provenienti da dieci paesi diversi, hanno composto un interssante quilt nel quale si manifestano i rispettivi leitmotiv, e i colori sono stati accostati con raro gusto. Andate sul loro sito toile e provate a riconoscere le artiste in quella festa cromatica.

 

Per affinità geometrica, ecco un’altra opera abbastanza inconsueta e sicuramente affascinante come questo coloratissimo paravento realizzato dalla polacca Sylwia Ignatowska.

Mi chiedo se tutti questi colori siano quelli che lei ritrova nei fiori in primavera e in estate, sulle rive dei fiumi o nei parchi naturali della sua regione, la Precarpazia.

 

Negli spazi dedicati a Sylwia Ignatowska erano esposte altre opere di grande impatto visivo, nonché di notevole fattura, e alcune sono presenti nel mio spazio Flickr. Non sapendo decidermi su quale inserire qui, avrei scelto quella per me più atipica e per certi versi forse più riconducibile all’artista.

“Pierwszy Śnieg”, ovvero “La prima neve”.
Nel paese di Sylwia la neve arriva già in autunno, quando ancora le piante rifiutano di arrendersi al gelo che avanza e conservano sui rami i ricordi estivi sotto forma di rade foglie ingiallite. Io m’immagino un tramonto, le fronde in controluce, e i primi fiocchi che scendono, lenti, senza vento, senza fretta. Tutto allora diventa incerto, ambiguo, possibile, trascendente.
Il valore aggiunto di quest’opera è che l’artista ha lavorato per sottrazione, ottenendo le zone più luminose dallo schiarimento di una pezza di lino nero, un metodo che assomiglia, ma con direzione inversa, a quello di una preziosa acquaforte. Ciò che nella calcografia si ottiene con vernici bituminose e acidi corrosivi qui è stato ottenuto con le foglie del suo giardino e della candeggina. Una quiltatura molto curata ha fatto il resto.
Sono grata a Sylwia per aver illustrato passo-passo sul suo lieu toile l’originale procedimento da lei seguito. Non capita spesso.

 

Ospite d’onore di questa edizione del BPM era l’Austria, che si presentava così, con questa contaminazione di patchwork e abito tradizionale.
L’associazione Patchwork Gilde Austria organizza la sue esposizioni ogni volta in una regione diversa. Una delle più interessanti che ho avuto la fortuna di vedere si è svolta a Friesach nel 2015, anche grazie a una collocazione molto suggestiva. Quest’anno niente show, tutto è rimandato al 2025, a Wiener Neustadt.

Ecco un quilt molto gradevole, senza esperimenti, significati nascosti ed effetti speciali, solamente una stradina, alcune antiche abitazioni e delle fronde ombrose. Par quasi di udire il il fruscio delle foglie mosse da una leggera brezza.
Rilassante

Kellergasse sta per vicolo delle cantine, e si tratta di una situazione tipica di alcuni villaggi della Bassa Austria, più precisamente una zona riccha di vigneti denominata Weinviertel. En réalité, il ne s'agit pas d'un lieu géographique défini par des frontières, mais plutôt un groupe de petits vignobles qui s'étendent en patchwork de la frontière avec la Tchéquie jusqu'à la Slovaquie..
Par exemple, l'un des vins typiques s'appelle Brünnerstraßler, parce qu'il a été obtenu à partir de vignobles situés le long de la route de Vienne à Brno. Aujourd'hui, le cépage le plus populaire est le Grüner Veltliner., mais les vins plus connus ne manquent pas comme le Riesling, le Müller-Thurgau et le Mascate.
Non so quale sia la strada riportata su stoffa da Edith Peitl, ma sono sicura che se c’è andata avrà passato una splendida giornata (a meno che sia astemia…).

Bene, ora che ho la mappa so dove andare al prossima volta che mi trovo a Vienna. Se volete, ci vediamo lì.

Sempre grazie a Edith Peitl non ho potuto fare a meno di soffermarmi davanti a questo angolino di mondo, giusto qualche albero, un sentierino appena tracciato, un banc et une petite rivière pour laisser couler la grande rivière de nos rêves d'enfant.
Les bons souvenirs sont souvent trompeurs, mais ils aident à supporter la vie, et si elle s'asseyait à nouveau sur ce banc, je ne sais pas si elle retrouverait la petite fille qu'elle était, peut-être qu'elle se sentirait plus proche de Siddhartha, et dans l'ensemble, ce ne serait pas mal non plus.

J'aime beaucoup sa philosophie de réutilisation des matériaux, l'esprit authentique de patchwork. En fait, c'est trop facile de devenir belle batik, tissus conçus, trousse de couleurs assemblées chromatiquement, éléments typiques de humeur consumériste “tout à la fois” où il suffit de payer.

 

A l'occasion du Quilt Fest 2023, les artistes autrichiens ont présenté une série d'œuvres thématiques, un sujet assez particulier en vérité: le guêpier.
Voici son vers caractéristique que j'ai trouvé sur le site carrozzadergambini.it.

C'est un petit oiseau coloré qui se déplace de plus en plus vers le nord en raison du réchauffement climatique., donc pendant un moment’ il est également présent en Autriche. Tra le caratteristiche di questo volatile andrebbe notato che la femmina che il maschio sfoggiano pressoché gli stessi colori.

 

Chiuderei questo capitolo dedicato all’Austria passando dall’aria all’acqua, ovvero dagli uccelli ai pesci.

A Roswitha questo tema riesce benissimo. Già presenti in un suo bel miniquilt, i pesci raffigurati in quest’opera più grande trovano il giusto spazio e la visibilità che meritano. Notevole l’equilibrio cromatico tra il rosso e l’azzurro, dove il primo non si perde ma nemmeno s’impone alla vista, e il secondo che accoglie senza risultare dominante. Complimenti.
Rimane da stabilire il programma di studi di quei pesci…

 

Attraversiamo il confine e torniamo in Cechia.
La storica associazione Bohemia Patchwork Club sviluppa progetti sempre interessanti e mai banali. L’anno scorso presentò a Brno una serie di opere che avevano per tema le finestre delle sinagoghe presenti nella Repubblica Ceca. Nel 2023 si sono dedicate al barocco, in occasione del tricentenario della morte dell’architetto Jan Blažej Santini-Aichel, nato nel 1677 e nipote di Antonin Aichel, un muratore originario di Roveredo che si era spostato a Praga attorno al 1630. Dal padre, abile scalpellino, egli imparò i segreti della lavorazione della pietra, e nonostante un grave handicap fisico (une partie de son corps était paralysée depuis sa naissance) il est allé à Rome pour étudier les maîtres italiens, principalement Borromini. De retour en Bohême, il débute sa carrière d'architecte, proposant le style gothique-baroque qui distingue de nombreux bâtiments tchèques.
A l'âge de vingt-cinq ans, il se voit confier la reconstruction de l'église Notre-Dame de Sedlec., qui fut partiellement détruit pendant les guerres hussites, poursuivant son activité courte mais intense jusqu'à son dernier chef-d'œuvre, il santuario di San Giovanni Nepomuceno, un bâtiment original où prédominent le symbolisme et la numérologie.

Le quilter Les bohèmes ont donc créé des œuvres où ce style architectural est représenté, les présentant dans une exposition dans le quartier baroque de Skalka, et de là vers d'autres expositions en République tchèque, BPM inclus, ovviamente.

Magari vi stavate aspettando una serie di cupole, colonne, vetrate, statue, eccetera, e invece io vi propongo un’opera di Alena Vave Zemanová che interpreta in maniera molto personale e apprezzabile il tema della mostra.

“Schody do nebe” moyens “Scala verso il cielo”, e questo può essere inteso come il Paradiso. Nulla a che fare con la “Stairway to Heaven” dei Led Zeppelin, si tratta invece della rappresentazione dell’altissima scala a chiocciola autoportante che si trova nella chiesa di Nostra Signora di Sedlec.

Poteva forse mancare Romana Černá al BPM? Ovviamente no.

Se andate a Praga, in Malostranské náměstí, sopra i tetti degli edifici ottocenteschi potrete vedere come su tutto domina la cupola della chiesa di S. Nicola (S. Mikuláš), la chiesa barocca più famosa della città. La sua costruzione durò un intero secolo, tanto che gli elementi più recenti come il campanile sono già in stile rococò.
Qui Romana è tornata alle sue tinte tradizionali, il verde e l’azzurro, volendo forse richiamare i colori della cupola in bronzo e rame.

Come ogni anno era presente una sezione dedicata al patchwork tradizionale, e come sempre, pur non provando più un particolare trasporto verso questa tecnica compositiva, mi capita di provare un moto di ammirazione verso qualche quilter che dà prova di particolari abilità e gusto sopraffino.

È il caso di Danuše Březinová, la quale ha portato a Brno un patchwork di grandi dimensioni, quiltato perfettamente, e che aveva degli elementi particolarmente interessanti, come gli inserti in merletto e alcune stelle crazy a cinque punte, queste ultime molto complesse da realizzare e quantomai rare.

Col nome “Rub Al Khali” viene identificato il grande deserto sabbioso che si trova nella parte meridionale della penisola arabica, e significa letteralmente “Il quarto vuoto”.
Immagino che qui l’artista abbia voluto utilizzare tutte le sfumature di quella distesa sabbiosa, sulla quale piove senza tregua l’accecante luce dell’implacabile Sole al centro.

Non è la prima volta che Milena Kankrlíková appare in questo blog. Già nel 2019 (eh, bei tempi…) ebbi modo di ammirare un’interpretazione molto personale del Dresden Plate, un patchwork dove la scelta dei motivi delle stoffe utilizzate era stata particolarmente ricercata, un’attenzione che ho ritrovato solamente nelle opere di Gabrielle Paquin.

Vi lascio indovinare cosa significhi il titolo. Io comunque i pezzi non li ho contati, le credo sulla parola. In questo caso il blocco pineapple è stato utilizzato nella maniera più tradizionale possibile, però con una scelta cromatica che dona al suo patchwork una seconda giovinezza.

Volete sapere come si chiama lo stile di Eva Bovoli? Semplice, si chiama “Eva Bovoli”.
La si potrebbe definire come la quilter di due mondi. Infatti le sue origini boeme, il suo background culturale e artistico si è spesso confrontato con quello dell’Italia, il paese nel quale si è trovata a vivere per un lungo periodo, e dove medita di sistemarsi al caldo sole del Sud.
Questo pendolo tra due mondi le ha permesso di sviluppare una sua visione del patchwork, informale e raffinata, attenta alle sue tradizioni ma aperta alle contaminazioni. Fin da quando mi ricordo (era il 2011) non ha mai smesso di stupirmi, senza effetti speciali e nemmeno fughe in avanti, semplicemente lavorando con il massimo dalla libertà che la stoffa e il colore concedevano.
Quella libertà era anche frutto della sua scarsa propensione all’esibizionismo, non avendo come obiettivo l’applauso, il consenso, il premio, il successo mondano. Tutto girava e ancora gira attorno al Sole della fantasia che illumina le sue opere tessili.

 

“Tutte le strade portano a Roma”, questo è un detto che risale al Medioevo, con un doppio significato. Il primo e più evidente è che in quell’epoca le uniche strade della penisola italica ancora in buono stato erano quelle tracciate mille anni prima, quando Roma era la capitale di un vasto impero, il resto erano sentieri e carrarecce dal tracciato incerto.
La seconda chiave di lettura la si deve alla presenza del Papa a Roma, perciò in un epoca durante la quale la religione cattolica aveva l’ultima parola su tutto e tutti, Roma costituiva la cerniera di tutta la politica dinastica continentale, e tutto faceva capo sulle rive del Tevere.

Marta Moran Poza vive a Saldaña, una cittadina della nella Comunità autonoma di Castilla y León, e a pochi chilometri da casa sua si trova il sito archeologica della villa romana “La Olmeda”, i cui resti risalgono al IV secolo. Il sito (coperto) si sviluppa su 4400m², con ben 1400m² di mosaici, considerati i più preziosi di tutta la Spagna.
Direi quindi che i percorsi del blocco “Volo d’oche” fond crazy simboleggiano appunto quelle strade, magari non più fisicamente presenti ma storicamente incancellabili.

 

Tra le associazioni presenti a Brno, la più famosa è certamente lo Studio Art Quilt Associates, più noto come tricoteur, che quest’anno ha portato una serie di opere facenti parte del progetto “Minimalisme”.
Lo stile minimalista è nato negli USA a metà degli anni ’60, come movimento estetico che si opponeva all’opulenza del consumismo, il quale si riverberava anche nell’arredamento e nelle convenzioni sociali. Il motto “Less is more” naque proprio in quel periodo. La “Minimal Art” consisteva nella riduzione del tutto all’essenza, agli elementi base necessari alla definizione di un dipinto, una stanza, un testo, un gesto.

Je sais qu'il semble difficile de comprendre le sens de cela quilt, mais au fond, c'est une sorte de carpe Diem artistiquement traduit en anglais.
Le sens du minimalisme est d'insérer le message avec autant d'éléments que possible, et voici les mots “Ici et maintenant” ils se cachent dans le panneau, ils sont entrelacés, superposé, renversé, ma il concetto è inequivocabile, tout n'existe qu'ici et maintenant, Actions, pensées, souvenirs, parole, et nous devrions nous soumettre à une telle limitation instantanée si nous souhaitons vivre pleinement notre vie..

Tu peux mourir plus minimaliste que ça…

À première vue, cela ressemble à un simple travail bicolore, un exercice chromatique élémentaire, ma, uno, simple n'est pas parce qu'il faut une certaine habileté pour créer ce quilting dense sans que le quilt ne perde sa planéité et ne se déforme, et deux, ci porta in un luogo per noi lontanissimo e per certi versi alieno.
Nel nostro continente, a meno che non ci si rechi in mare o in qualche landa remota della Finlandia, è difficile trovare uno spazio dove l’orizzonte è lontanissimo e non spezzato da elementi verticali, un edificio o un albero per esempio.
Il Midwest è diverso, e non di rado si incontrano distese di campi coltivati che si allargano per miglia e miglia senza soluzione di continuità. È probabile che l’artista abbia incontrato questa distesa nevosa in una frizzante giornata primaverile, e che abbia inteso dare l’idea di uno spazio sconfinato e della promessa di una prossima primavera.
La quiltatura orizzontale ha due scopi, sul cielo quello di dare profondità, sul bianco quello di richiamare i solchi della precedenta aratura.

 

Perdonatemi, ma tra tutte le splendide opere della collezione “Minimalisme” questa è la mia preferita. Non solamente per la forma inconsueta, ma anche per gli effetti di chiaro-scuro ottenuti mediante una sapiente composizione degli elementi in stoffa denim, e per di più riciclata.

Questi due artisti vivono nella torrida Australia, perciò l’acqua lì è utilizzata con parsimonia. Quando una costruzione utilizza quel prezioso elemento come parte caratterizzante del conception si tratta sicuramente di un edificio di alto valore sociale e architettonico.
In questo caso Beth and Trevor Reid hanno voluto raffigurare la “scultura d’acqua” che si trova di fronte alla sede dell’Alta Corte d’Australia, a Camberra. L’ho cercata in internet, e ho scoperto che si tratta di una sorta di scalinata lunga decine di metri sulla quale l’acqua scende saltando da gradini inclinati, proprio come nel quilt, e le diverse intensità di colore richiamano le trasparenze e i riflessi.

 

Saprete già come la penso sui concorsi, perciò da tempo ho smesso di citare premi e vincitori, non per questo motivo però troverei logico non inserire le immagini di alcune opere che reputo interessanti.
Devo dire in questa edizione del BPM è stato proposto un tema molto originale, sto parlando di “Zero Waste”, per il quale si richiedeva l’esecuzione di un quilt che utilizzasse materiali di recupero alternativi alla stoffa. Mi è parso subito molto intrigante (e non solo a me…).

Era il 2012 quando a Vicenza ammirai per la prima volta un’opera di Uta Lenk, e poi nel 2019 a Praga rimasi molto colpita dal messaggio (purtroppo ancora attuale) del suo pregevolissimo patchwork “Blood Méditerranée Count“.

Per realizzare “Seeing Red” Uta Lenk ha utilizzato solamente degli avanzi, un po’ da tutte le parti, dai suoi lavori precedenti, da scampoli di biancheria, da ricami del progetto Guldusi (Deutsch-Afghanische Initiative) e altro ancora. e infine ha raccolto per mesi i tappi copriago delle siringe per dialisi per comporre quei due percorsi.
La traduzione italiana del titolo è “Vedo rosso”, e da noi si usa dire cosi quando è impossibile contenere l’ira, quindi in senso figurato si carica come un toro alla corrida. Non so se anche Uta Lenk sia stata ispirata dalla collera, vero è che di questi tempi è difficile restare imperturbabili, perciò si oscilla tra furore e depressione.

 

Le quilter ungheresi del gruppo Modern Movement sono apparse più volte in questo blog, a cominciare dall’artista più nota, à savoir Eszter Bornemisza. Se date un’occhiata a qualche post precedente e cercate qualcuna di loro potrete rendevi conto dell’alto livello che hanno raggiunto, nonché del loro eclettismo.

Lo so che ormai imperano gli shopper in plastica, le confezioni monouso e monoporzione, gli involucri altisonanti di marchi televisivamente imposti, e quasi solamente fuori città si usano ancora le sporte riutilizzabili e simili. Forse anche nel paese di Magdolna Acélosné Solymár resistono le borse in rete per le arance, le patate, i limoni e poco altro.
Tel quel, lei ha trovato il modo di riutilzzale per ottenere un’opera originale di grande effetto, offendo una nuova vita a degli oggetti che in genere contribuiscono invece a far crescere il volume dell’immondizia da eliminare.
Complimenti.

 

Tra i parametri del concorso c’era quello di utilizzare dei materiali che in genere sono considerati degli “scarti”. Dunque, quando vi capita di mangiare una caramella magari è necessario togliere l’involucro esterno, in parole povere si scarta la caramella. Ma contrariamente a quanto si potrebbe intendere letteralmente, non è la caramella lo “scarto”, bensì quel fazzolettino di carta o di plastica. Nel quilt sottostante quegli originali scarti compongono la cornice esterna e le zone di trencadis.

Badate che sarebbe troppo facile restringere il tutto a un collegamento diretto tra l’aggettivo “dolce” e lo zucchero delle caramelle e dei cioccolatini. La faccenda è un tantino più complessa.
Innanzitutto i materiali, sicuramente alternativi. Il top è in Evolon, sul quale è stato dipinta a mano con l’acrilico la locandina di quel famoso film. Per iI batting è stato utilizzato del vello in lana grezza, quello col quale si avvolgono le piante del giardino affinché non gelino in inverno. Anche il backing è in Evolon.
E adesso torniamo al film, che è la vera chiave di lettura di quest’opera. Rimando chi non l’avesse visto alla pagina relativa su Wikipédia. En un mot, gran parte della vicenda racconta la vita futile e sregolata della Roma benestante alla fine degli anni ’50, la quale trovava il suo fulcro in Via Veneto. Tutti quei personaggi sono eccessivi, vistosi, sfacciati, effervescenti, luccicanti come gli incarti delle caramelle del quilt, e come questi ultimi sono altrettanto privi di spessore. Anche la quiltatura della cornice, assolutamente casuale, è simbolica. Essa racconta di come la rete di relazioni in quel mondo (nel film sembrerebbe che tutti conoscano tutti) fosse assolutamente futile e priva di uno scopo al di fuori dell’immediata gratificazione personale.
Forse vi starete chiedendo come mai io sia in grado di descrivere con tanta precisione tutti quei dettagli tecnici e significativi. La risposta sta nel fatto che conosco fin troppo bene questo artista (nonché fotografo / webmaster / guida / sherpa / ecc.).

 

Le opere di Hilde van Schaardenburg che fanno parte della serie “Radiation” hanno una caratteristica in comune, sono state realizzate da lei e sua madre, Ruth Kübler. Si tratta di una felice collaborazione generazionale, contraddistinta da due tecniche molto diverse. Ruth si è occupata della zona centrale, totalmente ricamata, mentre Hilde ha espanso quella zona con dei motivi radiali cha partono dal centro dell’opera. Il risultato è, come potete vedere, impressionnant, e che suggerisce una sorta di aspirazione morale, ovvero che la bellezza, in quasiasi forma essa sia stata creata, è destinata a irradiarsi oltre i confini del nostro tempo.

Va detto che per Hilde van Schaardenburg questa tipologia di opere è stata una sorta di scommessa, una frattura col suo stile che è caratterizzato da linee curve o motivi appena accennati.

In questo quilt è rappresentato uno scorcio della spettacolare cupola del Reichstag di Berlino, vista dall’interno. Questo importante edificio ha sofferto negli anni del suo valore simbolico. Les premiers à l'avoir gravement endommagé furent les nazis qui y mirent le feu dans le but de le qualifier de conspiration communiste et de suspendre toutes les garanties démocratiques.. Le palais n'a pas été restauré car il s'agissait d'un vestige d'un régime parlementaire que les nazis ont répudié.. Les bombardements de la Seconde Guerre mondiale ont fait le reste, mais même pas après 1945 le Reichstag a été restauré dans un état acceptable, puisque la capitale de l'Allemagne de l'Ouest était Bonn. Una prima messa in sicurezza del palazzo fu effettuata più di una decina d’anni dopo, ma si dovette attendere la riunificazione delle due Germanie per vederne il restauro completo, compresa la nuova cupola in vetro inaugurata nel 1999.

 

Le quilter olandesi del gruppo Esprits colorés hanno portato a Brno ben 41 opere, più questo spettacolare banner lungo più di 7 metri realizzato nel 2023 da tutte le artiste in occasione del decimo anniversario di costituzione del loro gruppo. Ecco chi sono le autrici di questo banner (da sinistra):
Suze Termaat
Rita Dijkstra
Ellen Lodder-Veurman
Nienke de Lange
Marjolijn van Wijk
Corinne Zambeek-van Hasselt
Rineke van Zeeburg
Mariëlle Huijsmans

Già dall’immagine soprastante appare evidente che nelle loro scelte artistiche il colore è la chiave dominante, come del resto il nome della loro associazione lo sottolinea.
La particolarità è che ogni quilt deve rispondere a un predeterminato accostamento cromatico, per esempio Blu-Rosso-Verde, oppure Rosso-Arancio-Giallo, e la difficoltà sta nel trovare il giusto equilbrio tra colori e forma, impatto e peso, contrasto e accostamento, però possiamo ben dire che i risultati sono stupefacenti.

Suze Termaat ama lavorare con materiali diversi e forme non convenzionali. In quest’opera, lei sottolinea l’intrinseca delicatezza e fragilità di alcuni aspetti della vita, la casualità e l’intreccio, e tutto sommato la loro transitorietà, scavando sotto ai quali si può guardare oltre i nostri limiti.
La composizione cromatica scelta per questo quilt è “Giallo-Verde-Blu”.

Di più immediata interpretazione ma non per questo meno pregevole il motivo proposto da Rineke van Zeeburg, su un quilt che fa parte del gruppo cromatico “Rosso-Blu-Giallo”. La raffinatezza dell’accostamento cromatico, combinata con le forme del soggetto principale e la quiltatura che ne suggerisce altre sullo sfondo, rende difficile non soffermarsi di fronte alla bellezza che la natura ci regala anche nelle piccole cose.

Quelli che vedete rappresentati nel quilt sono i fiori dell’antenata selvatica della ben nota carota arancione. In verità le carote si possono trovare anche in altri colori, viola, gialle, nere, rosse, bianche. Sono tutte commestibili, e variano per il contrenuto di zuccheri, di antiossidanti, di vitamine, eccetera. La carota arancione è stata creata e diffusa dagli olandesi tra il XVI e il XVII secolo in omaggio alla loro casa reale, gli Orange.

A parer mio una delle opere della mostra di Brno che più tendono all’arte pura è “Reflection”, di Marjolijn van Wijk.
Per la serie “Monochrome” lei ha scelto di utilizzare tante sfumature del blu e dell’azzurro, dal cobalto al pavone, dal polvere al celeste, al fine di far risaltare sia la luce che la profondità delle ombre.

Anche il processo di creazione di quest’opera denota una padronanza di mezzi artistici che vanno ben oltre ago e filo.
Lei è partita da un suo disegno base realizzato su carta mediante acrilico e collage, che poi è stato riportato su stoffa. Su quella sono stati aggiunti altri dettagli pittorici, e infine la quiltatura ha dato l’ultimo tocco artistico.
Che dire, non so ho provato più ammirazione o più invidia, e vi assicuro anche vedendolo ora su questo monitor, pur essendo la fotografia non totalmente fedele, la mia emozione rimane inalterata.

In questo post ho inserito “solamente” quattro opere del gruppo Esprits colorés, non perché le altre non fossero degne di nota, tutt’altro, ma per solleticare la vostra curiosità. Altre le potrete trovare nel mio album Flickr, ma io vi invito a visitare la loro pagina toile, dove potrete ammirare tutte le loro creazioni con una qualità fotografica che rende loro giustizia. confiance.

 

Jana Dohnalová propone una sua tecnica che si chiama “Trapunto dipinto”. Si tratta di ottenere fantastici effetti cromatici e di texture unendo la quiltatura e la pittura. Sapendo che l’arte del dipingere la stoffa non si apprende in quattro e quattr’otto, e che comunque potrebbe sempre presentare delle difficoltà, lei ha immaginato una tecnica che si presenta facile come colorare un libro per ragazzi.

Come vedete qui sopra, i risultati sono più che apprezzabili, e dimostrano ancora una volta (manco ce ne fosse bisogno…) che la fantasia delle quilter è inesauribile.
Qualora vi interessasse il trapunto dipinto, non avete che da seguire uno dei suoi corsi su internet tramite il suo site Web o andando a Praga, tanto il ceco lo sapete, no?

Passerei dai colori vivaci ai colori appena appena visibili, quasi sottintesi, ma quanto mai suggestivi.

La betulla è uno degli alberi più aggraziati che possiamo trovare nei nostri boschi. Ha un fusto snello ed elegante, con una corteccia bianchissima screziata di nero. I rami sono molto flessibili, e se soffia un pò di vento è uno spettacolo vederli ondeggiare, anche perché questi alberi possono raggiungere i trenta metri d’altezza, e quindi intercettano ogni corrente d’aria di passaggio. Nei boschetti di betulla trovano riparo stormi di piccoli lucherini, i quali accompagnano col loro cinguettio lo stormir di fronde.
Come molti altri artisti, uno per tutti, Gustav Klimt, anche Isabelle Wiesler si è innamorata di un bosco di betulle e ci regala l’atmosfera tranquilla che quello infonde nello spirito.

 

ELG, ovvero Elina Lusis-Grinberga. Fille de l'art, questa artista lettone esplora sempre nuove forme espressive, con forme e materiali inconsueti. Talvolta gioca con le trasparenze e le sovrapposizioni, ma comunque predomina quasi sempre un senso di indeteminatezza, come se ciò che stiamo osservando sia momentaneo e mutevole

Può capitare che l’ispirazione per un’opera visuale sorga da aspetti che trascendono il senso della vista. In questo caso sono stati la musica e un ricordo ad aver offerto a Elina gli elementi fondamentali per realizzare un quilt. Il ricordo è sicuramente quello di uno struggente tramonto, forse incontrato all’orizzonte di acque più calde (in tutti i sensi) di quelle del Mar Baltico. Sembrerebbe proprio che un Sole abbia ceduto i suoi colori al contenitore sottostante.
La musica invece fa rifermento a una composizione per soprano e violoncello barocco che Anna Veismane, anche lei lettone, ha scritto per le figlie di Elina, e si intitola “Bring me sunset in a cup” in quanto le parole sono quelle dell’omonima poesia di Emily Dickinson.
Riporto qui la prima stanza di quell’opera.

Bring me the sunset in a cup, Reckon the morning’s flagons up And say how many Dew, Tell me how far the morning leaps — Tell me what time the weaver sleeps Who spun the breadth of blue!

Portami il tramonto in una tazza conta le anfore del mattino le gocce di rugiada. Dimmi fin dove arriva il mattino – quando dorme colui che tesse d’azzurro gli spazi.

 

Prendo spunto dalla musica per sottolineare come i miei resoconti delle mostre abbiano spesso l’andamento di un crescendo rossiniano, e le opere che vedrete di seguito non potranno che confermarlo.

Ricordo che nel 2015, dopo dieci anni di assenza dovuti a precedenti delusioni, iniziai di nuovo a frequentare la Val d’Argent, riscoprendo allora la qualità del Carrefour Européen du Patchwork, e tra le opere che mi colpirono così favorevolmente c’erano le farfalle di Béatrice Bueche, per la fattura dell’opera e per l’originalità del soggetto notturno-diurno.
A Brno lei ha portato molti piacevolissimi quilt, dei dipinti tessili delicati e suggestivi, ma i mei gusti bislacchi sono stati attirati dalle sue opere dove predominano il bianco e nero, come del resto già avvenne nel 2015.

In vita mia non avevo mai visto un contrasto così bene in accordo! Vero è che per immaginare una composizione quasi monocromatica con quel Sole rosso che sembra quasi gridare la sua impossibilità a dare colore e vita al paesaggio ci vuole un occhio artistico non comune.

Sulla stessa falsariga ecco questa coppia di zebre su uno sfondo i cui colori sfuggono al solito cliché Africa – savana – caldo. Per certi versi potrebbe trattarsi di un paesaggio notturno, una notte di luna piena con gli animali che vengono destati all’improvviso da un segnale allarmante.

Vedete come l’intreccio di bianco e nero quasi vi confonda la vista? Ebbene, si tratta proprio di una forma di difesa contro i predatori. La maggioranza dei mammiferi preferisce mimetizzarsi, prendere i colori dell’ambiente dove vivono, invece le zebre non si nascondono, anzi il loro manto è riconoscibile anche a grande distanza, però quando sono tutte assieme in branco il predatore vede una foresta di righe bianche e nere nella quale non riesce a distinguere bene dov’è una testa e dov’è una coda, quante zampe ci sono e di chi, perciò si trova indifficoltà.

 

C’è chi lavora di getto, quasi a braccio, e c’è invece chi “costruisce” un’opera d’arte seguendo (o inseguendo) un’idea progettuale ben precisa, stabilendo delle personalissime regole, scoprendo o inventando i medium necessari per giungere al traguardo di una composizione perfetta. Questo è il caso di Martina Hilgert-Vervoort, la quale ha curato fin nel minimo dettaglio l’esecuzione di questo patchwork.

Elle, tanto per cominciare bene, si occupa della tintura delle stoffe, avendo già ben chiaro in mente quale sarà l’effetto cromatico che vuole ottenere. Qui ha utilizzato delle striscioline per suddividere ulteriormente le zone di colore diverso, quasi a volerle trattenere al loro posto. Le simmetrie sono molteplici, quella volumetrica per incominciare. Se ci fate caso, noterete come la larghezza delle zone a tinta unita equivalga a quelle quadrettate. Anche i colori si ripropongono con una certa simmetria, riproponendo la stessa tinta sia per il filo da quiltatura e sia per la stoffa di base. Osservate i colori l’ultima fascia verticale a sinistra, sono più freddi, quasi spenti rispetto all’equivalente fascia centrale. Questo avviene quando un’immagine trova il suo riflesso in un specchio d’acqua, e in effetti tutto il disegno sembra percorso da un’increspatura che gli regala una meravigliosa irregolarità.
Credetemi, non mi stancherei mai di guardarlo.

 

Ci sarebbero altre opere da mostrare, e fin d’ora chiedo scusa alle artiste che non ho citato; se avessi voluto essere esaustiva questo post sarebbe stato lungo il triplo, e uscirebbe sul blog verso Natale o giù di lì. Inoltre mi dichiaro colpevole anche per aver fatto prevalere talvolta i mei gusti personali e pertanto mi affido alla clemenza della corte.
A mia parziale difesa vi ricordo che sul mio spazio Flickr sono presenti altre immagini che non ho riportato qui, e inoltre, come dico sempre, tutto questo fotografare, riportare, descrivere, commentare serve solamente per invitarvi a visitare le mostre di persona, perché c’è molto di più di quanto io riesca a registrare. Confido inoltre che quanto si trova sul blog possa costituire una sorta di scoperta per chi il patchwork non lo conosce, oppure lo considera alla stregua di un ornamentale loisir femminile. Vedete bene che c’è molto di più in un pannello elaborato con pazienza e gusto, ci sono l’aspirazione artistica, l’estro creativo, la storia personale, la cultura, la tradizione, la sperimentazione, l’idea di un futuro che non considera la bellezza una qualità inutile perché non monetizzabile.
Posso confermarvi che la mostra di Brno del 2024 ha rappresentato tutto questo, e lo ha fatto in misura e maniera superlative. Vi basti pensare che, sulla base delle nostre esperienze passate, avevamo preventivato di passare lì l’intera mattinata, mentre invece siamo entrati poco dopo l’apertura e al pomeriggio c’hanno quasi dovuto cacciare via perché chiudevano, il che la dice lunga circa l’interesse che abbiamo provato.

Come già scritto all’inizio di questo articolo, dopo la mostra ci siamo presi qualche giornata per girare attorno a Brno, per visitare un pezzetto di Moravia, giusto un assaggio, e posso dirvi che promette bene.
Turismo ancora abbastanza rarefatto, e molti aspetti caratteristici mantengono la loro originale identità culturale e storica. Ecco alcuni scampoli, mentre altre immagini le potete trovare nel post “Pas seulement Brno”.

Per contro devo dire che pur arrivando lì in primavera inoltrata (anche se il meteo diceva il contrario…) abbiamo trovato alcuni monumenti ancora non visitabili, poiché pare che la stagione “turistica” parta da Maggio in poi.
Mi chiedo se non sarebbe il caso di spostare di qualche settimana il BPM, per offrire a chi arriva a Brno per la mostra l’opportunità di visitare la Moravia, e magari in termini numerici se ne avvanteggerebbe di riflesso pure l’esposizione di Brno.

Ragionateci sopra….

En ce qui concerne le reportage du passé, eccovi un breve filmato del BPM, giusto una veloce carrellata, più alcuni momenti del nostro viaggio in Moravia.
Prendre plaisir!